La Música Contemporánea en el Aula

Hola a todos hoy volvemos con un post, que pretende sembrar el debate pedagógico dentro de la comunidad educativa.

Antes de comenzar vamos a realizar un pequeño análisis del estado de la cuestión. Los aspectos de la música del siglo XX que más han  influido en la pedagogía musical actual son aquellos que presentan un carácter más sensorial y directo, aquellos que surgen al profundizar en el sonido, es decir "el polo material" de la música, para expresarlo con el lenguaje de Willems. Estos son: la música concreta y electroacústica, la improvisación y el teatro musical, las nuevas grafías, el taller de sonido, los instrumentos y los dispositivos electrónicos, los instrumentos exóticos, los objetos sonoros...

Para comenzar lanzamos la siguiente pregunta: ¿Por que incluir la música contemporánea en el aula? y argumentamos con pequeñas frases la necesidad de utilizarla.

Porque:
  • Los alumnos y los profesores no pueden ignorar los lenguajes actuales de comunicación sonora.
  • El sonido y la música constituyen, en el marco de la música contemporánea, una realidad integral e integrada.
  • Al ampliar el horizonte sonoro, la música tradicional adquiere un sentido mas rico y trascendente.
  • Las estructuras abiertas de la música contemporánea (ritmos , alturas...) responden funcionalmente a las etapas iniciales de la educación musical.
  • Contribuye a estrechar las relaciones con otros lenguajes artísticos contemporáneos y también con la ciencia.

Desde este pequeño foro de opinión recomendamos una serie de pautas que pueden utilizar los docentes, para familiarizarse con las técnicas más habituales de la música contemporánea.

Pautas:
  • Participar activamente en talleres de música contemporánea, conducidos por un compositor o pedagogo especializado.
  • Asistir regularmente solo o con alumnos a conciertos didácticos comentados sobre música contemporánea.
  • Conocer y escuchar grabaciones de música contemporánea producidos por artistas locales e internacionales.
  • No temer a pesar de su limitada experiencia, inducir a sus alumnos a intentar por su cuenta experiencias con el sonido, a partir de propuestas dadas o surgidas de su propia iniciativa.
  • Procurar al alumno información  a través de bibliográfía, entrevistas, y artículos sobre música contemporánea especializada.
  • Promover en su centro educativo  la organización de encuentros, seminarios, talleres, mesas redondas, donde interactuen docentes musicales y estudiantes con compositores. 

Se distinguen en la actualidad diferentes enfoques y/o estilos pedagógicos respecto de la inclusión de la música contemporánea en el aula. Tales modalidades no se refieren solo al tipo de técnica musical que favorecen la practica, sino a las técnicas pedagógicas utilizadas. La focalización de aspectos estéticos en la expresión artística no se contradice con el desarrollo de un interés más amplio por el sonido, interés que incluye los aspectos intelectuales.

A modo de conclusión podemos decir que las experiencias sonoras que aporta la música contemporánea en el alumno apuntan a objetivos extremadamente beneficiosos que no se pueden ignorar por parte del docente y que estamos obligados a mostrar a nuestros alumnos.

Esperamos que estas pequeñas pautas os ayuden a integrar la música contemporánea en el aula y os animéis a ponerlas en práctica.

Os recordamos que todavía podéis participar en el sorteo de las entradas para ver a Proyecto Hélade en colaboración con la OSN en el espectáculo "The Artist", el día 9 de Noviembre de 2013 en el Auditorio de Baluarte en Pamplona.

Hasta la próxima semana.

LA MÚSICA EN EL CINE MUDO

Hola amigos,
antes de nada gracias por estar otro día más regalándonos vuestro tiempo; como podéis ver estamos trabajando en el diseño del blog (por este motivo lo habréis encontrado diferente, en un par de semanas esperamos tenerlo terminado).

Hoy os traemos un tema muy interesante y especial para nosotros, ¿Por qué especial? Pues tendréis que seguir leyendo ya que os lo revelaremos al final del post ;)


En la RAE podemos encontrar como una de las definiciones de música "Arte de combinar los sonidos de la voz humana o de los instrumentos, o de unos y otros a la vez, de suerte que produzcan deleite, conmoviendo la sensibilidad, ya sea alegre, ya tristemente".

Por este motivo podemos entender que durante la época del cine mudo, los directores se sirvieran del piano para aportar una mayor sensibilidad a las imágenes y como complemento de una necesidad artística. Pero... ¡esto no es así! En realidad, el motivo principal por el que se incorporó la música en directo durante estas proyecciones cinematográficas fue: ELIMINAR O AMORTIGUAR EL RUIDO DEL PROYECTOR.

Algunas proyecciones estaban acompañadas de comentarístas que con un megáfono, se situaban detrás de la pantalla y se dedicaban a reproducir los supuestos sonidos que se producían durante la proyección, junto con el acompañamiento del piano que normalmente improvisaba, o una pequeña orquesta que interpretaba obras de música clásica. Estos comentarístas se conocían como "Figurantes Pictóricos".

Si nos remontamos a la primera película muda, encontramos "La escena del jardín de Roundhay" de Louis le Prince en 1888; las películas con sonido aparecieron en 1920 y esto supuso la desaparición del cine mudo en tan solo 10 años.

Ahora ha llegado el momento de comentar el motivo por el que os estamos hablando de este tema... El próximo Sábado 9 de Noviembre de 2013 realizamos una colaboración con la Orquesta Sinfónica de Navarra en un concierto muy especial en BALUARTE
Se trata de la interpretación de la Banda Sonora de la película "The Artist", película escrita y dirigida por Michel Hazanavicius, ganadora de muchos premios en 2011 y 2012 como por ejemplo 5 Óscar (entre ellos al de Mejor Banda Sonora). Durante este concierto también se proyectará la película y poder disfrutar de la música en directo, hará que el público sienta y perciba el ambiente mágico del cine antiguo.

Para nosotros será un proyecto muy interesante ya que podremos trabajar junto al compositor de la BSO Ludovic Bource (que tocará el piano como un miembro más de la OSN) y junto al director de orquesta Ernst van Tiel.

Aprovechando este concierto hemos decidido realizar nuestro... ¡Primer Sorteo!


Será nuestra primera colaboración con la Orquesta Sinfónica de Navarra y queremos compartir con vosotros este día. Por eso os regalamos 2 entradas completamente gratis para asistir al Concierto del próximo 9 de Noviembre de 2013 en Baluarte, Pamplona (Navarra).

Para participar es muy sencillo, solamente tenéis que seguir los siguientes pasos:

1.- Seguir nuestro blog, clicando a la derecha en "participar en este sitio" y seleccionando la opción "seguir de forma pública".

2.- Copiar la imagen del sorteo y publicarla en vuestro Facebook, Twitter o Blog (y si queréis compartirla en todos los sitios ¡genial... mucho mejor!).

3.- Dejar un comentario en esta entrada con una dirección de correo electrónico, para poder ponernos en contacto con vosotros y haceros llegar vuestro premio en caso de resultar ganadores.

¡SUERTE A TODOS!

Nos despedimos deseando que paséis una estupenda semana... ¡Hasta el próximo Lunes!

Música aleatoria Vs Serialismo integral

Hola a todos,
esta semana traemos un post actual que pretende demostrar que la música puede partir de concepciones estéticas antagónicas e incluso utilizar materiales compositivos opuestos y a pesar de todo producir en el espectador sensaciones similares 

La postmodernidad musical viene definida, en gran parte, por dos corrientes antagónicas, el serialismo y la aleatoriedad. A grandes rasgos se pueden definir como:

Serialismo, defensor de la sistematización del lenguaje, a través, de un férreo control y organización de todos sus elementos. Intervalos, dinámicas, emisiones, ritmos...

Música aleatoria, sus composiciones están abandonadas al azar, al empleo de signos ambiguos sin una "gramática" bien definida.  

Ante estas dos premisas pretendo demostrar en este pequeño post, como dos tendencias, en un principio totalmente opuestas, tienen estructuras y patrones de comportamiento en el oyente similares, ocasionando la sensación de indeterminación.

A continuación dejo dos pequeños vídeos de los compositores más representativos de estas dos tendencias:

Serialismo: Pierre Boulez 




Música aleatoria: J. Cage





Después de haber escuchado estas dos composiciones lanzo algunas cuestiones, ¿os resulta similar?, ¿ habríais sido capaces de identificar que pieza pertenece a la tendencia serialísta y cual a la tendencia aleatoria?.....la respuesta es sencilla no.

Esta claramente demostrado que ambas tendencias tienen afinidad en la percepción en el oyente, pero no en su gestación estética, ni formal. La música supera siempre el concepto intelectual, quedando en el recuerdo la percepción auditiva.

Un interprete puede ser más cercano a una otra tendencia por diferentes aspectos, como son, la facilidad de lectura e incluso de producción sonora, pero desde el punto de vista del oyente es difícil identificarse con una u otra tendencia debido a su gran similitud. 

Ante la música actual hemos de liberarnos de prejuicios y escuchar con la mente abierta para percibir el mensaje de una forma libre.

¿Que pensáis vosotros de estas dos tendencias compositivas?¿os ha resultado interesante la paradoja auditiva? esperamos vuestras respuestas y comentarios en el blog y también en twiter, con el hastag #SerialismoVsAleatoriedad.

Nos vemos la próxima semana. 


Adiós Vacaciones... Hola Nuevos Proyectos! Pensamientos sobre la figura del Intérprete



Se acaba el periodo vacacional y tras un descanso largo y merecido, empieza una etapa de proyectos y objetivos nuevos que poco a poco iremos descubriendo desde estas lineas. Contar las novedades de Proyecto Hélade, el nuevo enfoque de nuestros espectáculos y las actividades que iremos proponiendo para esta temporada, sera una de las prioridades de nuestros posts. Solo podemos avanzar, que se esta gestando un espectáculo teatral basado en un cuento musical con argumento de Proyecto Hélade y música del gran compositor valenciano Andrés Valero Castells.

La temporalidad de nuestros posts seguirán siendo uno semanal, aunque no descartamos aumentar la frecuencia de nuestros artículos a dos por semana. Uno de ellos con temática informativa y otro técnico-divulgativo, todo dependerá de vuestra demanda.

Después de las vacaciones elaborar un artículo técnico con un contenido muy denso, quizás no es lo ideal, pero dulcemente iremos retomando el ritmo de trabajo. Nuestra aspiración en este post es exponer algunas ideas sobre la figura del interprete y ver cuál es vuestra opinión.
  • Un interprete es un individuo que es capaz de transmitir sensibilidad, y que tiene una concepción especial de su mundo y su entorno.
  • Es un transmisor de percepciones sensitivas, un intermediario entre compositor y publico, universo y hombre...
  • En un interprete influyen: aspectos físicos, psíquicos y técnicos.
  • Todo interprete expresa a través de su talento y se mediatiza en su físico.
  • De la simbiosis entre artista e instrumento y del conocimiento profundo del mismo, y de la música a interpretar se crea una interacción entre lo subjetivo y lo objetivo.

Cuando un artista concentra en si mismo ese cúmulo de antagonismos, alcanza las dimensiones espirituales adecuadas para transmitir la música. 

A modo de conclusión podemos decir, que desde la comprensión del lenguaje hasta llegar a la composición y la interpretación, es preciso recorrer un largo camino interior que habrá llegado a su punto culminante cuando la persona sea capaz de crear y recrear obras musicales por si mismo mediante un proceso preestablecido, que a su vez genera otros procesos, base de toda actividad creativa; así podemos afirmar que lo mas importante en el Arte, a cualquier nivel, es saber lo que se hace y por que se hace. 

Nos despedimos hasta la próxima semana con la intención de haber aportado ideas libres y sanas a través de estas reflexiones y solo con la pretensión de ayudar en vuestras futuras interpretaciones; el debate queda abierto.

GRACIAS POR LEER Y COMENTAR

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